sábado, 1 de diciembre de 2018

DOCUMENTAL LAND ART- EVOLUCIÓN/DOCUMENTARY LAND ART-EVOLUTION


El ser humano como todo ser vivo altera el medio en el que vive, su existencia deja huella en su interior, sin embargo la adaptabilidad del ser humano consiste en transformar en cuanto le rodea para amoldarlo a sí mismo. El ser humano deja una huella mayor que ningún otro animal. El hombre crea en entornos artificiales que facilitan sus actividades. La evolución nos ha proporcionado una mente que sustituye a cualquier ventaja física. A falta de garras, el ser humano fabrico  armas de caza, nos adaptamos a cualquier clima sin importar las complicaciones. La inteligencia, el recurso más preeminente del ser humano,es su única arma para la supervivencia pero ¿Cómo llegamos a esta capacidad para moldear nuestro entorno físico?

  • El homo sapiens comienza a alterar su  medio activamente cuando se ve desprovisto de los bosques que le daban cobijo, para iniciar una experiencia nómada extendiéndose por todo el mundo. La necesidad con el entorno es absoluta.
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  • En la actualidad la relación con el entorno es distinta, doblegamos el entorno y lo moldeamos a nuestro antojo. 

Desde el paleolítico queda demostrado la importancia del ser humano de relacionarse con el entorno que le rodea pero al inicio se trata solo de una importancia espiritual. La transformación de las sociedades  humanas trae consigo un cambio en la relación con el entorno, sus inquietudes creativas se irán refinando a medida que su dependencia de la naturaleza se reduzca, bien sea físicamente, construyendo ciudades  o virtualmente donde las artes pictóricas consisten en la recreación de un entorno natural. Con  la pintura el ser humano va a representar el entorno de forma virtual o indirecto.Es en el romanticismo   cuando la naturaleza es usada por artistas para verter en ella las emociones y sentimientos y expresar la libertar mediante ella.
Antes, el diálogo del artista con el entorno era mucho más personal, era un recurso que expresaba la nostalgia por la cultura perdida y olvidada, hoy en cambio ese diálogo  es el punto de interés de la obra. 

El artista hace partícipe al público de la relación tan íntima  que debemos entablar con el mundo. Es en este concepto cuando aparece el Land Art. Podemos definir ese tipo de obras como aquella que integra distintos elementos del entorno  en un espacio por el que se transita, obligando al espectador a interactuar con ella.

Uno de los pioneros fue Robert Smithon, donde su obra más conocida es el muelle en espiral. La repercusión que tuvo fue quizás un aliciente que alentó a los demás investigadores a realizar sus 
obras.


Usar un lugar publico es muy importante pues no solo el artista se siente atraído por la realización de la obra sino que se da pié a que las personas sean partícipes de esta esencia . 
El chaval al que se entrevista intenta transmitir con su obra el paso del tiempo y a él mismo, su obra es parte de él. Él siente que la naturaleza le da libertad.

El Land Art intenta buscar el equilibro perdido o solo una coordinación entre el hombre y la naturaleza sin importar lo que venga después.
Pero no siempre volcamos nuestros impulsos  creativos para relacionarnos con la naturaleza. En el ámbito cotidiano nuestra relación con la naturaleza sigue siendo fundamental y el arte se vale de eso. Diseñamos espacios arquitectónicos y espacios virtuales pero el receptor a veces ignora su naturaleza artística.  En la actualidad, Somos capaces de crear universos virtuales posibilitando una creación artística a gran escala. Un mundo virtual no es menos real por el hecho de no ser tangible pero si existe un mundo en el que el ser humano interactúa con el mundo.


Aquí os adjunto  el documental Environment historia del arte, Land Art.


OTRO DOCUMENTAL:


TRANSLATION TO ENGLISH.

The human being like any living being alters the environment in which he lives, his existence leaves an imprint in his interior, however the adaptability of the human being consists of transforming everything around him to mold him to himself. The human being leaves a greater footprint than any other animal. Man creates in artificial environments that facilitate his activities. Evolution has given us a mind that replaces any physical advantage. In the absence of claws, the human being manufactured hunting weapons, we adapt to any climate regardless of the complications. Intelligence, the most preeminent resource of the human being, is its only weapon for survival but how do we reach this capacity to shape our physical environment?
  • Homo sapiens begins to alter his environment actively when he is deprived of the forests that gave him shelter, to start a nomadic experience spreading throughout the world. The need with the environment is absolute.


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  • At present the relationship with the environment is different, we bend the environment and mold it at our whim.

Since the Paleolithic, the importance of the human being to relate to the environment around him has been demonstrated, but at the beginning it is only of spiritual importance. The transformation of human societies brings about a change in the relationship with the environment, their creative concerns will be refined as their dependence on nature is reduced, either physically, building cities or virtually where the pictorial arts consist of recreation of a natural environment. With painting the human being is going to represent the environment in a virtual or indirect way. It is in romanticism when nature is used by artists to pour emotions and feelings into it and express liberation through it.
Before, the dialogue of the artist with the environment was much more personal, it was a resource that expressed the nostalgia for the lost and forgotten culture, today on the other hand that dialogue is the point of interest of the work.

The artist shares with the public the intimate relationship that we must engage with the world. It is in this concept when the Land Art appears. We can define this type of works as one that integrates different elements of the environment in a space through which it passes, forcing the viewer to interact with it.

One of the pioneers was Robert Smithon, where his best known work is the spiral spring. The repercussion that it had was perhaps an incentive that encouraged the other researchers to carry out their works.

 

Using a public place is very important because not only the artist is attracted to the realization of the work but also gives way to people being part of this essence.
The kid he is interviewing tries to convey with his work the passage of time and himself, his work is part of him. He feels that nature gives him freedom.

Land Art tries to find the lost balance or just a coordination between man and nature no matter what comes next.
But we do not always overturn our creative impulses to relate to nature. In the everyday environment, our relationship with nature is still fundamental and art uses that. We design architectural spaces and virtual spaces but the receiver sometimes ignores their artistic nature. Currently, we are able to create virtual universes enabling a large-scale artistic creation. A virtual world is no less real because it is not tangible but there is a world in which the human being interacts with the world.

Here I attach the documentary Environment art history, Land Art.


OTHER DOCUMENTARY:

                                      

Fuentes:

ARTE EN LAS ARENAS DEL DESIERTO

Si pensamos en qué lugar crear obras artísticas casi todo el mundo pensaría en la naturaleza como la tierra, la hierba, el césped.... pero no en el desierto porque se suele pensar que no es el lugar idóneo para ello.

Pues bien, la naturaleza es arte por sí misma y el desierto es una parte de ella en el cual también se crean obras artísticas de Land Art. 

Una creación artística de Land Art, en medio del Desierto del Sahara, forma las metáforas más hermosas sobre este paisaje; sobre la infinidad y profundidad del desierto.

Se conoce como el Desert Breath, una fantástica obra de arte situada en el desierto egipcio con forma de laberinto.



Cuando hablamos de arte refiriéndonos a Egipto pensamos en el estilo que caracterizó a la civilización de los faraones durante milenios sin apenas cambios. Siempre se suele pensar en lo faraónico o en lo islámico pero nunca a nadie se le suele ocurrir pensar en arte contemporáneo.

Y, sin embargo, el Desert Breath demuestra que es posible.

Desert Breath significa "aliento o respiración del desierto".

Fue un proyecto realizado en 1997, pero hasta día de hoy no se ha desintegrado, ya que se trata de una instalación creada con materiales del entorno: arena y agua. De ahí que sea considerado arte y un instrumento para medir el paso del tiempo.

Fue creado por D.A.S.T Arteam, compuesto por un equipo de artistas que tuvieron la idea de plantar uno de sus proyectos en pleno Desierto del Sahara, en su parte egipcia; específicamente en un lugar cercano al Mar Rojo denominado El Gouna, localizado al norte de la turística ciudad vacacional de Hurghada.




El equipo está compuesto por Danae Stratou (artista de la instalación), Alexandra Stratou (diseñadora industrial y arquitecta) y Stella Konstantinidis (arquitecta) que tardaron casi dos años en terminar el trabajo, entre los años 1995 y 1997. 
Estas artistas explicaron que eligieron un punto clave del paisaje donde hubiese agua y un cuerpo de montañas, por lo que dicen "es un punto donde la inmensidad del mar se encuentra con la inmensidad del desierto".




La obra se expande por un área de 100.000 metros cuadrados. A gran escala es un laberinto, pero cuando el espectador está en la zona puede caminar dentro de la espiral, entre volúmenes cónicos de rigurosa belleza geométrica. 
Su realización fue posible gracias al desplazamiento de 8.000 metros cúbicos de arena para crear los conos. Dichas figuras forman dos espirales entrelazados que se desdoblan en el paisaje desde un mismo centro: un estanque artificial de 30 metros de diámetro lleno de agua.

La obra consta de dos niveles diferentes desde el punto de vista: desde arriba como una imagen visual, y desde el suelo, caminando la espiral, como una experiencia física.

El hecho de que la obra haya sido reflejada en el desierto tiene un significado, la representación de lo infinito, combinando esa especie de relieves en positivo y negativo con la inmensidad del paisaje que los rodea. El mismo que va deshaciendo poco a poco el trabajo de las autoras, de forma que dentro de un tiempo esta obra de arte habrá desaparecido, de ahí su metáfora.





Por tanto, el desierto es también un lugar o medio para llevar a cabo increíbles creaciones artísticas como Desert Breath.

Fuente: 

SAYPE: EL ARTE EN LAS MONTAÑAS

En lo que concierne al arte en la tierra y en la montaña, destaca una de las figuras más representativas e importantes como Guillaume Legros.

Guillaume Legros (27 años)


Guillaume Legros, más conocido como Saype, es un joven artista autodidacta francés reconocido por sus reconocidas obras de arte en la naturaleza, especialmente en las montañas.
Concretamente, realiza sus obras de arte en las montañas de Suiza y Francia para crear monumentales obras de Land Art.

Saype nació en 1989 en Belfort (Francia). Actualmente vive y trabaja en Moutier (Suiza). Comenzó a pintar a la edad de 14 años a través de graffitis y a los 17 años ya exponía sus primeras obras en diversas galerías de arte.

Apasionado por la filosofía y las preguntas que pueden formularse en torno a lo "existencial" su pintura explora a menudo problemas relacionados con el ser humano. Su trabajo es una forma de compartir su visión del mundo y nos invita a cuestionar nuestra naturaleza interior, nuestro espíritu, lugar en la tierra y en la sociedad.

Sin abandonar jamás su primera pasión, pero con la intención de encontrar un nuevo camino que lleve el arte callejero a nuevas dimensiones, comenzó en el año 2013 a realizar pinturas "fuera de formato", específicamente las lleva a cabo pintando en la hierba, césped, suelo, en los campos o en las laderas de las montañas pintando en diferentes planos, lo que aporta nuevas dimensiones a su trabajo.
Por ello, se ha convertido en el artista más joven pionero de un nuevo género que combina tanto el land art (arte en la tierra) como el graffiti.

Es un artista defensor al 100% de la naturaleza fomentando su protección y conservación.  
Se caracteriza por trabajar con pintura biodegradable diseñando el mismo la receta para que no dañe a la naturaleza. Su receta está formada por aceite de linaza, agua y harina mezclados con pigmentos totalmente naturales. 
La pintura solo dura un mes aunque puede desvanecerse más rápido dependiendo de la lluvia y velocidad del crecimiento de la hierba que según el artista estos factores hacen que su trabajo sea más vivo e interesante.

Además, en su línea de trabajo, destaca por pintar la hierba en tonos negros, blancos y grises formando las figuras a través de una cuidada composición y equilibrio de tonos.

Su trabajo nace con la fotografía de su tema y realiza un reconocimiento de campo con su equipo. Con una meticulosa precisión, Legros y su equipo hacen una cuadrícula en el suelo clavando estacas, para posteriormente realizar la pintada de las distintas imágenes en sus correspondientes cuadrículas. Además, para poder llevar a cabo su trabajo necesita de la ayuda de un dron para visualizar desde arriba y realizar correcciones si son necesarias.
En un promedio, un retrato del artista necesita tres meses para ser completado y 650 litros de pintura aproximadamente.

A continuación, se procederá a hablar sobre sus obras más emblemáticas:

UN GRAND HOMME - UN GRAN HOMBRE



En las montañas de Leysin, en Suiza, cerca del Lago Lemán en el cantón de Vaud Alpine, Saype pintó sobre la hierba un viejo campesino con una pipa y un sombrero descansando en la hierba en el año 2016.
Un hombre de 10.000 metros cuadrados y que finalizó tras 5 duros días de trabajo. Nada sencillo.

El artista tuvo que superar múltiples obstáculos, debidos sobre todo a la dimensión de la obra y el desnivel del terreno.

"Es un desafío técnico y físico. Si te olvidas un bote de pintura abajo, necesitas media hora para ir a buscarlo" explicaba Saype.

También tuvo que hacer frente a otros imprevistos tales como la tormenta, la lluvia, la distancia, la fermentación de la obra y los agujeros de los topos que le obligaron a restaurar por completo la cara del campesino.

A pesar de los obstáculos, llevó a cabo la pintada con éxito. Lo que le interesaba al artista era dejar constancia de la relevancia del respeto y cuidado del medio ambiente con la finalidad de sensibilizar a la sociedad. Por este motivo, todos sus materiales son biodegradables. 

"Dibujé un hombre inmerso. Pero en la inmensidad de la naturaleza, no es nada. Es eso lo que quería pensar" Guillaume Legros.

A pesar de este esfuerzo, Legros no ha podido batir ninguna marca mundial que pueda constatar en el libro de Guinness de los Récords, pues según los gestores que vigilan las más sorprendentes hazañas, su trabajo es ligeramente menor que la pintura más grande en cualquier superficie.

Ésta es una de sus obras más populares de todas con un estilo hiper-realista que muestra un botón de camisa y tirantes, que llevan cada uno diminutos símbolos rojos y blancos de la bandera suiza en su base.


UNE HISTOIRE DU FUTUR - UNA HISTORIA DEL FUTURO


Une histoire du futur es una gigantesca obra de una niña que lee un libro, en lo alto de la montaña de Les Rochers-de-Naye, en los Alpes berneses de Suiza, realizada en el año 2017. 
Ocupa una gran extensión territorial y ha sido hecha con 600 litros de pintura biodegradable.


A GRAND HOMME ET L'AVENIR? - ¿UN GRAN HOMBRE Y EL FUTURO?


A grand homme et l'avenir? representa a un hombre de aspecto viejo con capa y boina, apoyándose sobre un bastón agachadoo fumando una pipa, observando a un pequeño coger flores. El hombre admira al niño con amor y ternura.


LE MESSAGE DU FUTUR - EL MENSAJE DEL FUTURO


Representa a una niña con la mano extendida. Una niña que manda un mensaje de esperanza a los refugiados que cruzan el Mediterráneo cada año hacia Europa.



LE CYCLISTE FRAÇAIS MICHAEL BIBOLLET / L'AMOUR - EL CICLISTA FRANCÉS MICHAEL BIBOLLET / EL AMOR

 LE CYCLISTE MICHAEL BIBOLLET

L'AMOUR

Las montañas de Col des Aravis y las de la pequeña localidad de Val d'Arly, ambas en Francia, son las anfitrionas de un homenaje al ciclista francés Michael Bibollet y al semblante de una anónima y enigmática mujer. Fueron realizados en el año 2015.


A MINEUR - UN MINERO


Esta obra es un homenaje de 4.000 metros cuadrados hecha en a hierba, en el borde de la A16 en Bévilard. 
Representa a un minero que se ha dedicado a la carretera durante diez años. 
La realización del retrato requirió de una semana y 400 litros de pintura biodegradable.


QUEL HÉRITAGE? - ¿QUÉ LEGADO?


Esta obra cubre casi 2.000 metros cuadrados de hierba y fue realizada en un prado de la Tour-de-Peilz, cerca de Vevey en Suiza.
La obra representa a una niña que está en el agua con un salvavidas. Puede dar lugar a interpretar que la niña se encuentra en una piscina o incluso en el océano como si fuese una emigrante, es decir, una refugiada. Una realidad actualmente.


L'ÉCOLOGIE COMME TRADITION - LA ECOLOGÍA COMO TRADICIÓN


Esta obra fue realizada en Voronezh en Rusia en el año 2018. Representa a una niña sosteniendo sobre sus manos una maceta con una margarita blanca sentada en la tierra del campo, y a su misma vez, el dibujo se encuentra rodeado de una gran arboleda.
Con dicha obra quiere defender la conexión del ser humano con la naturaleza, la ecología y la importancia de preservar el medio ambiente para la vida, tanto para el ser humano como para la madre tierra. 


PRÉSENT PAR L'AVENIR - PRESENTE POR EL FUTURO



Para finalizar, destacar que Guillaume Legros comenzó a crear obras de Land Art e idear enormes rostros efímeros para pintar en la naturaleza en el año 2013.

En el año 2015 marca un hito en su carrera: después de una exposición sin precedentes de pintura sobre hierba con un cerco de 1400 metros cuadrados en los Alpes Franceses, transmitida por todos los medios de comunicación nacionales e internacionales adquiriendo sus obras un gran prestigio.

Fuente: 
https://www.saype-artiste.com/bio
https://destinoinfinito.com/obras-legros/
http://inasherahart.altervista.org/saype-larte-nella-natura/?doing_wp_cron=1543669201.9546539783477783203125
https://www.disup.com/saype-artista-land-art-leysin/
https://www.lavozdegalicia.es/noticia/internacional/2016/08/05/artista-frances-pinta-pastor-gigante-alpes-suizos/00031470416498214887379.htm
http://www.upsocl.com/creatividad/el-acaba-de-realizar-la-pintura-mas-grande-del-mundo-sobre-cesped/
https://www.qmayor.com/cultura/saype-un-gigante-descanso-en-la-montana/

EL ARTE TOPIARIO

INTRODUCCIÓN Y BREVE HISTORIA DEL ARTE TOPIARIO.

El arte topiario es una práctica de jardinería que consiste en dar formas artísticas a las plantas con tijeras de podar, creando así un tipo de esculturas vivientes. Las figuras más utilizadas son circunferencias, pirámides, medias lunas, arcos, mariposas, corazones y siluetas humanas, aunque en la actualidad se ha pasado de figuras simples a complicadas esculturas que conllevan un trabajo de años, moldeando las figuras desde su juventud hasta su madurez.



El origen de esta práctica se encuentra en la jardinería romana y continúa durante el Renacimiento, donde alcanza su punto culminante.

La introducción del arte topiario en los jardines romanos se atribuye a Gaius Matius Calvino, del círculo de Julio César. Se trataba de elaboradas figuras de animales, inscripciones, cifras y obeliscos recortados en su villa de la Toscana. Fue el inicio de una tendencia utilizada para transformar los atrios de las villas romanas, antes sencillos, en pequeños paisajes en miniatura. Se piensa que los esclavos egipcios, sirios griegos o judíos fueron los primeros en presentar el arte a los romanos.

Después de la caída del Imperio Romano, fueron los monjes los que continuaron que este arte en los jardines de los monasterios y posteriormente, las familias adineradas se basaron en ellos para llevarlo a sus propios jardines durante el Renacimiento. Las ideas del Renacimiento llegaron a Francia, culminando en la obra de André Le Notre con sus diseños en el Palacio de Versalles para el Rey Louis XIV. La topiaria en Versalles utilizaba setos bajos puntuados por árboles en macetas recortados como bolas en los estándares, interrumpidos por obeliscos en las esquinas, siempre que las características verticales de los jardines de parterre de patrón plano. El estilo de Versalles se extendió por toda Europa, llegando a los jardines de Dinamarca, Alemania, Rusia y Suecia, mientras que los holandeses enfatizaron los aspectos figurativos elaborando diseños más complicados y extendiendo su estilo a los británicos. 

En la época victoriana, concretamente en la Inglaterra del siglo XIX, las formas más utilizadas van a ser redondeadas, medias lunas, corazones, rombos, animales, etc.

La topiaria llegó a Estados Unidos de mano de los estadounidenses expatriados en el Reino Unido, que llevaron este arte a casa, haciéndose muy popular con los jardines de renacimiento colonial.

En el siglo XX, la topiaria estadounidense de estilo portátil fue presentada en Disneyland de mano de Walt Disney, que buscaba recrear sus personajes en los arbustos del parque temático. Hoy en día, la topiaria todavía existe en los jardines norteamericanos.

En cuanto al diseño topiario, podemos hablar de dos opciones. La primera usa marcos y soportes para ayudar a dar forma, y la segunda no utiliza nada.


PLANTAS UTILIZADAS EN EL ARTE TOPIARIO.

Las plantas utilizadas son perennes y leñosas, de hojas pequeñas, follaje denso y crecimiento compacto. Las especies más comunes utilizadas son las siguientes:
  • El boj africano, originario de la zona tropical y caracterizado por un crecimiento lento y por ser un arbusto bastante frondoso, con hojas brillantes de color verde oscuro. Por lo general se le suele dar forma de circunferencia.
  • El ciprés, una especie perenne cuyo color permanece verde durante todo el año, y que alcanza una altura de entre 30 y 40 metros en su madurez. Se suele usar para crear formas cónicas o de obelisco. 
  • El leilandi, que es una especie de ciprés híbrida natural por lo que su nacimiento es único aunque posea una apariencia similar al ciprés común. Se usa para crear figuras de conos, anillos, espirales, cubos y muchas más.
  • El mirto, especie originaria de Europa y África. Tiene un gran y abundante follaje siempre verde de hasta unos 5 metros de espesor, de hojas pequeñas color oscuro. Se utiliza para crear grandes rectángulos que adornan pasillos, pero también pueden crear curvas o círculos de tamaño considerable.
  • El acebo, un arbusto con apariencia de árbol que puede llegar a medir unos 20 metros. Da pequeños frutos en forma de esfera, que van del color verde al rojo en su madurez. Su tronco crece de forma recta, y sus ramas se despliegan creando una forma piramidal. Se usa en las decoraciones navideñas y se considera una especie en peligro de extinción.
  • El laurel, un pequeño arbusto perenne de tronco delgado y frondoso follaje. Sus hojas son de color verde oscuro, y produce flores de color amarillo.
  • El boj común, un arbusto de hojas de color verde oscuro usado para crear formas circulares, cuadrados u óvalos a pequeña y a gran escala, puesto que aunque crecen hasta los 10 metros, pueden ser tratados con técnicas de podado bonsay para mantenerlo pequeño.
  • El tejo común, un árbol de tronco muy fuerte, corteza marrón oscuro y hojas delgadas de color verde oscuro. Pueden llegar a crecer hasta unos 20 metros de altura, y su tronco puede alcanzar entre 3 y 4 metros de diámetro.
  • La ligustrina, un arbusto originario de Asia, de tallo marrón oscuro con grandes ramas y hojas verde oscuro. Puede llegar a medir 8 metros, produce flores blancas en primavera, y se adapta muy bien a cualquier clima.
  • El romero, un arbusto perenne de ramas leñosas y unidas, de aspecto compacto y rígido. Sus hojas son de color verde con pelos en las puntas. Se usa para dar formas macizas en la decoración de pasillos y muros naturales. Puede llegar a medir 2 metros de altura.

LOS JARDINES MÁS IMPRESIONANTES DEL ARTE TOPIARIO

Hay artistas que buscan plasmar sus ideas en jardines para crear obras perdurables. En estos jardines, encontramos la fusión entre la naturaleza y el ingenio humano. Vamos a mencionar algunos de ellos:

Parque del Laberinto de Horta
Se encuentra en Barcelona y es reconocido como el jardín más antiguo de la ciudad, construido en 1794 por el diseñador Domenico Bagutti.

Se encuentra en una antigua finca familiar y está inspiardo en el amor contemporáneo de esa época. En el centro hay un impresionante laberinto construido con cipreses conocido como "El laberinto del amor".


Jardín de Longwood
Se encuentra en Pensilvania y es considerado uno de los jardines botánicos más importantes de Estados Unidos. Fue diseñado por Pierre S. Dupont en 1906 y abarca unos 1050 acres de extensión donde se incluyen jardines, prados, fuentes y estanques.

Sus esculturas y diseños van desde figuras simples de forma geométrica hasta complejas esculturas con forma de animales y personas. Además, se aprecia la búsqueda del color al florecer las plantas. Las especies más utilizadas son el boj común, el acebo y el ciprés.


El jardín Del Castillo Drummond
Se encuentra en Escocia y fue diseñado como parte de la decoración externa del Castillo de Drummond luego de la construcción del mismo en 1491. Se trata de una obra de arte que preserva el emblema nacional de Escocia en su diseño, la cruz de San Andrés.

Las especies utilizadas fueron el boj común, para crear los muros de los pasillos y dar forma a la cruz, y los cipreses y otras especies de la misma familia, usados para crear conos, circunferencias y triángulos.

Aunque en 1716 fue quemado, permanece hasta la actualidad.


Jardín Topiario de Animales Verdes
Se encuentra situado en Rhode Island y su construcción comenzó en 1912 de manos de Joshep Carreiro, el jardinero de una propiedad adquirida por Thomas E. Brayton en 1872.

Tiene una extensión de 7 acres y es considerado uno de los precursores del movimiento topiario. Alberga cerca de unas 80 esculturas de animales a gran escala, como osos de peluche, una jirafa, un camello, perros, elefantes, etc.

Entre las especies utilizadas se encuentra el boj común y el tejo común.


Jardín Pearl Fryar 
Se encuentra en Carolina del Sur, en el jardín de su diseñador Pearl Fryar en 1980. Lo más curioso de este jardín es que parte del reciclaje ecológico ya que se usaron plantas que habían sido desechadas para abono. El autor plasmó una idea abstracta difícil de identificar a primera vista, lo cual lleva al espectador a un momento de autodescubrimiento e inspiración. Esto supuso un giro radical respecto a los diseños tradicionales.

Este jardín se caracteriza por ser un jardín siempre verde, característica que permite a los visitantes disfrutar de su colorido todo el año. Alberga alrededor de 400 plantas individuales, de las cuales la mayoría eran plantas desechadas por los viveros vecinos. Entre las especies utilizadas se encuentran el arbovitae oriental y el cedro. 



Jardín Lotusland
Se encuentra situado en California y se trata de varios jardines creados a partir de 1941 por la cantante de ópera Madame Ganna Walska, propietaria por aquella entonces de la finca, con ayuda de Peter Riedel, Ralph Stevens, Lockwood DeForest, y Joseph Knowles entre otros.

Estos jardines están distribuidos en 15 hectáreas, y son los siguientes:

- El Jardín Azul.
- Bromelias.
- El Jardín de las Mariposas.
- Cactarium.
- El Jardín de Cycas.
- El Jardín de Helechos.
- El Jardín Japonés.
- Huerto.
- Parterre.
- El Jardín de Suculentas.
- Topiaria.
- El Jardín Tropical.
- El Jardín de Plantas acuáticas.

En el área de Topiaria, encontramos una de los más llamativos diseños de este lugar, un enorme reloj de unos 8 metros de diámetro hecho de Bálsamo azul, además de un hermoso laberinto diseñado con Boj común, una gran cantidad de animales en topiaria y otras figuras como piezas de ajedrez, formas geométricas y diseños clásicos del topiario.






"RUNNING FENCE, LA GRAN VALLA DEL LAND ART"


Una tarde calurosa típica del mes de julio, una pareja llamó a la puerta de Lester Bruhn, un ranchero de California. La pareja se trataba que nada más y menos de los celebérrimos Christo y Jeanne Claude.


Christo y Jeanne Claude

El matrimonio le preguntó al ranchero Bruhn si estaba dispuesto al arrendamiento temporal de la tierra para erigir un proyecto de arte contemporáneo.
Un proyecto que sería uno de los más conocidos mundialmente y el cual dejaría totalmente fascinado a Lester Bruhn.

Christo y Jeanne Claude son una de las parejas más estables y conocidas dentro del mundo artístico. Son conocidos por realizar proyectos a gran escala en espacios públicos así como por utilizar tela para envolver gigantescos edificios o cubrir extensas áreas públicas.

Y el proyecto que iban a llevar a cabo, denominado Running Fence, fue uno de ellos.

Running Fence consistía en una gran cerca de tela de gran tamaño, de 24'5 millas (39'4 km) de largo, que se extendía a través de las Colinas de los Condados de Sonoma y Marin en el norte de California (Estados Unidos) antes de acabar inmersa en el mismo océano.
La cerca de 18 pies (5'5 m) de altura, estaba compuesta por 2.050 paneles de tela de nylon blanco colgados de cables de acero por medio de 350.000 ganchos. Concretamente, los cables fueron apoyados por 2.050 postes de acero pegados al suelo y sujetados por cables de acero aferrados en la tierra. 


La ruta de la cerca empezó cerca de la US Highway 101 y cruzó los caminos y la propiedad privada de 59 rancheros para llegar al Océano Pacífico cerca de Bodega Bay.
Se dice que la pieza está inspirada por las cercas que demarcan la División Continental en Colorado.

La obra artística fue completada el 10 de septiembre de 1976 y los constructores la retiraron 14 días después sin dejar rastro alguno.

No solo Bruhn sino también el resto de ganaderos de la zona y alrededores decidieron dar el sí afirmativo al proyecto de los dos artistas.

El arte, no era algo que a los viejos ganaderos le preocupase o entusiasmase mucho, pero podría ser una oportunidad, es decir, una ayuda económica a la zona y la creación de empleo y aumento del turismo.

Christo señaló sobre el efecto de la obra de arte que "es crear una gran valla que en lugar de separar a personas, las consagre con este mensaje de unión" de ahí la elección del nombre para el proyecto común.

Tanto el matrimonio como el ranchero, decidieron llevar la propuesta a otros ganaderos de la zona para saber si podrían hacer uso de sus tierras. Los ganaderos de la zona decidieron que era un buen negocio aunque no todos estuvieron de acuerdo con la idea de los artistas pues la catalogaron de loca y dañina.

Por ello, formaron un comité para detener la ejecución de la cerca defendiendo que la valla provocaría daños o destrozos en la tierra de la que ellos necesitan para vivir como para sus animales.

Tras dieciocho audiencias públicas y tres sesiones en los tribunales superiores de California, se aprobó el Running Fence. En abril del año 1976, aproximadamente 400 trabajadores voluntarios, se ofrecieron a colaborar para el emplazamiento de 240.000 metros cuadrados de tela tejida a través del Valle de Ford con postes de acero.

Tras terminar el proyecto, numerosos visitantes de todos los países acudían para observar las famosas cortinas iluminadas por el sol de California, dando una belleza paisajista a dicha zona, transformando totalmente la normalidad de California y también provocando un efecto visual especial en la naturaleza.


Runnin Fence fue conmemorada por marcadores históricos en Watson School de California y en la Ruta Estatal en Valley Ford, California.
En el año 1976 de diciembre, la Comisión de Monumentos del Condado lo nombró como Monumento Histórico.

Asimismo, fue objeto de una película documental de 1978 de Albert y David Maysles. Esta película denominada igual que el proyecto, Running Fence, trata tanto la emoción como resentimiento y protesta activa del mismo.

Albert y David Maysles

Varios californianos protestaron por el proyecto, incluyendo Bryon Randall (pintor expresionista), alegando la infracción de la tierra y falta de mérito artístico mientras otros alegaban la belleza del proyecto y paisaje.

A pesar de todos los obstáculos el Running Fence se llevó a cabo con éxito, y hoy día es uno de las obras de arte de la corriente Land Art más conocidas por todo el mundo.

MAPA CONCEPTUAL

  Aquí os dejamos el siguiente enlace del mapa conceptual realizado, para que podáis ver todas las entradas por las que está compuesto nu...