Es manifiesto en la actualidad que un número representativo de artistas crea obras con características del land art en España por lo que habría que considerarlo un neo land art.
Quizás, esto está motivado por el interés de considerarnos parte de la naturaleza, y que lejos de poder transformarla o perjudicarla con consecuencias irreversibles, tomemos conciencia de que existe la posibilidad de interactuar con y en ella de una forma respetuosa.
Podríamos decir que esto se suma al interés de recuperar lo orgánico, lo natural, lo "simple", lo sano y considerar que un detalle puede decir mucho más que la saturación, a la vez que promover la armonía, y la esencia o medicina que la naturaleza en sí misma brinda al alma al experimentar de manera directa los elementos orgánicos o los fenómenos naturales, abriéndonos a detetectar todo aquello que a través de la intuición podamos percibir, lo que conlleve a alcanzar o restablecer un equilibrio de armonía.
De ahí que en la década pasada se hayan celebrado varios coloquios, encuentros o seminarios abordando esta temática: la naturaleza, el paisaje, el land art y los earthworks.
Entre ellos es de especial relevancia el de las reflexiones en torno a arte y naturaleza, celebradas en Huesca y coordinadas por Javier Maderuelo con 5 ejemplares, o el libro de Landscape Art World of Environmental Design en 1955 en Barcelona.
Tonia Raquejo también hizo una reflexión sobre el tema en el libro del mismo nombre: Land Art.
Define así el Land Art: "término americano (difícilmente traducido al castellano como arte de la tierra) que eligió Walter de María para definir sus primeras intervenciones en el paisaje de la década de los sesenta y que se ha extendido para dominar la obra de esos artistas, incluso contra su deseo. Land Art no es por tanto un movimiento, ni un estilo, es una actividad artística circunstancial que no tiene ni programas, ni manifiestos estéticos."
La característica que se le atribuye al land art como primordial y que lo distingue del resto de obras de arte, es su presencia física en el paisaje, y que el lugar sitio es un eje central, al estar ligadas en su emplazamiento e interactuar y dialogar con el mismo, lo que las altera en las instalaciones. Por lo tanto, el medio es una parte esencial y principal de la apreciación y resultado final de la propia obra.
Son obras destinadas a proporcionar una experiencia única de un lugar específico, tanto para el propio artista como el espectador, concebidas y creadas en la naturaleza o al aire libre. Motivo por el cual cuando las obras son traspasadas a la galería los resultados son lo que son, porque el entorno las minimiza o las altera en cuanto a la apreciación y al impacto que ellas crean en el espacio en el que fueron creadas y en sí mismas. Por ello, pueden alterarse y trastocarse.
Un ejemplo de cómo se trastoca su intención original al transportarlo hacia otro entorno se puede apreciar en las obras que en Caja Madrid (Barcelona) se exhiben, o las de Richard Serra en la colección del Guggenheim de Bilbao donde la energía que trasmiten es otra o nula, y por lo cual dichas obras adquieren un nuevo sentido.
La obra en la galería cuando ha sido concebida para un entorno natural, tan solo nos proporciona una aproximación a la impresión que enfrentarla conllevara a los sentidos, a los estímulos de la materia, color, distribución espacial... por lo que no es lo mismo.
Sin embargo, la obra realizada in situ, puede no distinguirse del contexto como un objeto dado del que la obra es parte y que surge en el mismo lugar site de lo que no puede disasociarse, ya que uno soporta al otro y le implica.
Es a partir del land art que se han desarrollado nuevas formas de creación en las que la "la naturaleza y el medio físico son contemplados como sujeto, como proceso o como destino del hecho artístico, estableciéndose así un nuevo nivel de relación entre arte y naturaleza, distinto a los tradicionales que se plantearon con la mimesis o con el idealismo romántico" según Javier Maderuelo.
El land art surge casi de manera simultánea en Inglaterra y Estados Unidos, aunque los tratamientos y la apreciación de la naturaleza y el cómo interactuar y con qué materiales en ella, son opuestos totalmente.
Los europeos se caracterizan por la intención sublime, delicada o apenas perceptible, respetuosa con el medio natural, lo que se atribuye a poseer una conciencia de ser parte de la tierra, lo que les lleva a respetarla, lejos de necesitar dominarla y avasallarla, valiendo como ejemplo el arte que se caracteriza por intervenir levemente, casi sin que se note, haciendo de la fragilidad un instrumento para la defensa del lugar, proponiendo un nuevo modelo de intercambio entre la humanidad y su medio, una forma de hacer más atada a las tradiciones.
En este contexto, reivindicar la fragilidad y la vulnerabilidad de la naturaleza, supone combatir y denunciar las bases de dominar o representar a través de estructuras megalíticas, lo grandioso, o la fuerza.
Por el contrario, los artistas norteamericanos al no sentirse identificados o ligados a tradición cultural alguna pretenden intencionadamente desenmascararse y de mostrar su poder y su fuerza frente a la naturaleza, intentado dominar aquellos parajes más alejados, de difícil acceso o incluso desolados, mientras que los europeos y especialmente los ingleses, se pasean por el campo, viven el entorno, su riqueza e incluso detectan la poeticidad manifiesta con el atavismo más o menos consciente de aquella de alterar su aspecto natural lo menos posible.
Todo ello determina unas macroacciones que resaltan el dominio del hombre sobre el medio ambiente, en contraste con el land art europeo en el que predomina la convivencia, el respeto del entorno y establecer un diálogo más que un discurso.
Para Javier Maderuelo, Estados Unidos ha basado su cultura, hegemonía y su propia identidad en la explotación de la tierra que los primeros colonos consideraron una tierra de nadie y que erige sus principales símbolos culturales basándose en la megalomanía (delirio de grandeza), en la sobre dimensión de la escala y el amplio despliegue de medios.
Esto es aplicable tanto si nos referimos a su arquitectura, que se ha convertido en un emblema de "desarrollismo explotable", como al arte escultórico. Así, ante la desidentificación del territorio, les interesa crear una actividad transformadora a gran escala.
Un precedente del land art en Estados Unidos es la escultura de Guzton Borglun en el monte Rushmore de Dakota del Sur, galería de monumentales bustos realizados en la propia montaña. Esta obra convierte a la montaña en cantera y pedestal a la vez, negándole su identidad original y ratificando su condición estricta de materialidad, que sólo adquiere interés cuando el escultor le da una forma que resulta culturalmente estimable. Esculpe los rostros representativos del poder humano: presidentes de Estados Unidos. Será la escala y la apropiación del lugar, lo que convertirá la obra en un hecho excepcional.
A los norteamericanos se les asocia con la imagen del "cowboy" quienes a la búsqueda de tierras, o al no sentirlas suyas o parte de ellas, las altera, las domina e incluso, transforma sus paisajes originales, los ve más como un soporte, que como la madre tierra y ser vivo, representantes de la cultura tecno-industrial. Es de esperar que lo que creen se oriente a destacar los aspectos que estiman más sobresalientes, tales como la grandeza de los proyectos y la evidencia física de las obras.
Intervenir de manera mínima en el territorio supone cuestionar nuestro papel colonizador y considerar la relación anteriormente establecida entre escala y potencia.
Fina Miralles reafirma que "lo maravilloso y grandioso de la naturaleza es que lo pequeño contenga al todo".
Lo leve y respetuoso, la renuncia al excesivo protagonismo en las intervenciones, implica una voluntad por contribuir a restablecer el equilibrio en la naturaleza y en la concepción que de ella se tiene, para promover una acción respetuosa reconociendo su trascendencia y grandeza.
Trabajos que no sólo se ubican en la naturaleza sino que pueden integrarse a ella o rediseñar el paisaje.
También se ha de destacar, el que sean tan semejantes las intenciones implícitas en las obras de los land americanos, en contraste con las de los europeos, así como el tratamiento y los materiales elegidos.
Se atribuyen como motivadores del surgimiento del land art, al interés por combatir la función retiniana, atribuida a la escultura de solo complacer como decoración. Reflexión minimalista que pretendía romper, aunada al de trascender la materialidad, hacia la des-materialización de las obras de arte y del espíritu anti-objetual y anti-artístico, que inundó las búsquedas de los años sesenta y setenta.
Uno de sus antecedentes que menciona Maderuelo son los happenings que con el tiempo darían lugar a toda una serie de subtendencias como el arte del comportamiento y el body art.
En relación a la naturaleza como arte o arte y naturaleza, es necesario destacar la concepción de mucho de imitar a la naturaleza a través del arte, pero lo que consideramos válido es captar y reproducir los procesos de la naturaleza como herramienta o alternativa de creación.
"Sí, el arte se aproxima así a la naturaleza, no imitándola, sino confundiéndose con ella en sus procesos, presentándose desde su natural artificiosidad como una de sus formas, el mismo puede aproximarse también a la vida, intentando confundirse con ella y pudiendo ser practicado por cualquiera, sin necesidad de preparación o destreza específica."
En lo referente al paisaje, se puede afirmar que tiene una relación muy estrecha entre arte y naturaleza.
Un paisaje es un territorio o lugar humanamente sentido al igual que la representación del mismo. El paisaje es una forma del espacio, fruto de la interacción entre sociedad y naturaleza al igual que una fuente de emoción.
Así pues, el concepto de paisaje lleva aparejado el acto de percibir y sentir el entorno.
El paisaje es mucho más que el medio donde viven las personas sino también un mundo de interacción y creación con la madre naturaleza.
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