NATURARTEZA: octubre 2018

martes, 30 de octubre de 2018

PUPPY, EL PERRO GUARDIAN DEL GUGGENHEIM

“Puppy” (en español “cachorro”) es una escultura de claro ejemplo del land art, del artista estadounidense Jeff Koons (York, Pensilvania, 21 de enero de 1955), que está instalada de forma permanente en el exterior del Museo Guggenheim de Bilbao, concretamente en la plaza Txema Aguirre (Vizcaya, País Vasco).

Es un cachorro canino concretamente perteneciente a la raza West Highland White Terrier. La obra está hecha con acero inoxidable, sustrato y completamente cubierta con plantas de floración, y sus dimensiones son 12, 4 x 9,1 x 8,5 m, y su peso de 16 toneladas.

La escultura fue construida en el año 1992, sin embargo no estuvo siempre en el lugar que está ahora, sino unos años antes en el patio del castillo barroco del pequeño pueblo alemán de Waldeck, cerca de la ciudad de Bad Arolsen.

En 1992 se estaba celebrando la Documenta IX, y fueron alrededor de 195 artistas y Jeff Koons, también estaba ahí. Talló una primera versión de Puppy en “tan solo” 11 metros de madera, pero esta obra de arte temporal fue destruida in situ tras el final del proyecto.

Koons, presentó a esta mascota definitiva del Guggenheim al otro lado del planeta, en el Museo de Arte Contemporáneo de Sidney, en 1997.

A la Fundación Guggenheim le gustó mucho y ese mismo año no dudó en adquirir esta obra de arte por 1,2 millones de dólares, y su función fue vigilar la entrada del museo Guggenheim de Bilbao, exactamente donde sigue hoy en día. Sin embargo, hoy en día esa misma estatua está valorada en 54 millones de dólares.

Con esta escultura, el artista aúna pasado y presente, ya que emplea un sofisticado modelo de ordenador para crear una obra que hace referencia a un jardín clásico europeo del siglo XVIII. El West Highland terrier gigante completamente cubierto de flores emplea la iconografía más edulcorada (flores y perritos) en un monumento al sentimentalismo.

Respecto a las plantas que cubren la escultura de acero del cachorro, hay que destacar que estas plantas tienen dos etapas, por un lado el otoño- invierno, y por otro lado el primavera- verano, y en función de la época del año podemos encontrar una composición diferente de plantas. La cobertura completa está compuesta por 37.000 plantas que se cambian dos veces al año. Las plantas están vivas, y deben mantenerse sanas y cuidadas durante los seis meses.

Koons, diseñó esta escultura pública con la finalidad de atraer, suscitar e infundir según sus propias palabras “optimismo, confianza y seguridad”. Al fin y al cabo, Puppy es un perro de casi 13 metros de altura cubierto completamente de flores, y perro y flores son dos conceptos de difícilmente nos recordarán valores diferentes.

Fuente:

http://www.bilbaoartdistrict.com/puppy/
https://www.guggenheim-bilbao.eus/obras/puppy-2/
https://blog.ferrovial.com/es/2017/10/perro-flores-puppy-guggenheim-bilbao/

sábado, 27 de octubre de 2018

EL BOSQUE PINTADO (BOSQUE DE OMA)

El bosque pintado o bosque de oma, es una clara expresión de la corriente artística del “land art”, ya que trabaja el arte en un espacio exterior, y concretamente en una reserva natural. Se sitúa en la localidad vizcaína de Kortezubi, cerca de Gernika, en el interior de la Reserva de la Biosfera de Urdaibai.

Mapa de la reserva de la Biosfera de Urdaibai.

Esta obra artística fue realizada por el pintor escultor vasco Agustín Ibarrola nacido en Basauri (Vizcaya), el 18 de agosto de 1930, y la obra fue realizada entre 1982 y 1998. Debemos destacar que es una de las obras más conocidas del artista.

El pintor y escultor quiso fusionar la técnica que utilizaban en el Paleolítico para pintar sobre la roca y la corriente moderna del “land art”, que consiste en trabajar sobre la naturaleza. Se podría decir que el Bosque Pintado es una original experiencia artística que reflexiona sobre el espacio y las reglas del arte.

En el camino hacia el bosque, se pueden distinguir las referencias geográficas que han condicionado al artista en la realización de la obra: los valles de Basondo y Oma; las rutas que esconde el encinar entre la que se encuentra la cueva de Santimamiñe donde se hallan las pinturas paleolíticas más importantes de Bizkaia, los castros prerromanos de Nabarniz y la ciudad y el árbol de Gernika.

A medida que estés paseando por el bosque de pinos, según el sendero que elijas para caminar o la dirección en la que mires comprobarás que en ocasiones la figura de un solo árbol tiene entidad en sí misma mientras que en otros casos, podrás ver que si unes las figuras de varios árboles, estas se recomponen y crean formas definidas. La percepción de las figuras varía según el punto de observación, es decir, las figuras se transforman. En definitiva, podríamos decir que se convierte en una visita personalizada, en la que el artista consigue hacer que el visitante sea protagonista de su obra, es decir, es el visitante quien tiene que jugar a construir y destruir las formas, según el punto de observación que elija ante cada composición artística.

Como hemos dicho anteriormente, en esta obra de Ibarrola hay muchas maneras de mirar y dependiendo de eso se forman las figuras que están pintadas en los árboles, pero para ubicar al visitante a la hora de seguir el recorrido señalado en el mapa, hay que tener en cuenta que los temas se pueden dividir en tres grandes grupos:

1. En el primer grupo residen las referencias al lenguaje artístico y a los movimientos dentro del Arte que han planteado cambios en la plasmación del espacio artístico. La primera pintura que podemos encontrar en el bosque llamada La raya blanca, es una inversión de la perspectiva renacentista ya que para ver la línea en un solo plano lo más lejano tiene que ser más grande que lo más cercano. Dentro de este grupo estarían también otros temas como el Puntillismo (referencia al Impresionismo tardío), Cuadrados rojo y amarillo (homenaje a Malevich y al constructivismo ruso), Diagonales de colores (recreación del movimiento Minimal a partir de la repetición insistente de diagonales), el Círculo, La forma curvilínea amarilla, El homenaje al Greco y en general las composiciones abstractas.

2. En el segundo grupo lo forman las referencias a la naturaleza (El Arco Iris de Naiel, El Rayo), al elemento totémico (Figuras de pájaros y animales) y al mundo de las leyendas relacionadas con el bosque (La mirada de Basajaun, que es un personaje mitológico del País Vasco, Los ojos, etc.). Estas están plasmadas en elementos figurativos, que se forman a partir de los principios estéticos que aparecen en las formas abstractas del grupo anterior.

3. Por último, el tercer grupo se basa en las representación de figuras humanas (La marcha de la humanidad), reflejo de la iconografía de Agustín Ibarrola, aparecen dispersas por distintas partes del bosque, creando conjuntos compactos o intercalados entre distintos temas.

Aquí os dejamos algunas de las fotos que más nos han gustado del Bosque pintado de Oma:

Fuente:

https://paisajismodigital.com/blog/land-art-el-bosque-de-oma/

http://web.bizkaia.eus/es//-/oma-basoa

https://www.spain.info/es/reportajes/el_bosque_encantado_de_oma_un_cuadro_en_la_naturaleza.html

http://www.agustinibarrola.com/bosque-de-oma/

lunes, 22 de octubre de 2018

ANTECEDENTES, ETAPAS Y ACTUAL LAND ART DE ESPAÑA

ANTECEDENTES DEL LAND ART

El Land Art cuando apareció en Norteamérica, en España estaban trabajando escultores como Oteiza o Chillida, grandes escultores que cambiaron el panorama escultórico español, ya que en sus obras desaparecía la figuración a favor de la geometría y lo abstracto. Estos dos artistas investigan y experimentan sobre el espacio de la escultura y el espacio en donde se ubican sus trabajos. Se puede decir que son obras enmarcadas dentro de un fondo que es el paisaje que le rodea.

Tras el racionalismo imperante en las obras de estos escultores entra el movimiento conceptual de España con unos años de retraso respecto al resto de países y en clandestinidad, ya que bajo la dictadura de Franco eran muchos los movimientos “prohibidos” por tener connotaciones políticas o de temas no apropiados. Alguno de los artistas conceptuales de la época en España fueron:

-Francesc Torres (Barcelona, 1948), que en 1968 creó Escultura con estría lateral.

-Àngels Ribé (Barcelona, 1943), esposa de F. Torres y más interesada por lo natural y los fenómenos que en la naturaleza ocurren y dejan sus huellas, Intersección de luz (1969), Intersección de agua (1969), Intersección de ola (1969), Acumulación-Integración (1973) ya dentro del land art en España al modificar la arena de la playa con agua proveniente de una manguera y que esa agua crea surcos que arrastran la arena hasta el mar.

-Fina Miralles (Sabadell, 1950), integra elementos del arte povera y del conceptual. Una de sus obras es Duna (1973).

Estos trabajos se realizan durante los años 70 y 80 en España y se empiezan a dar a conocer por medio de eventos y Bienales dentro y fuera de nuestro país.

ETAPAS DEL LAND ART

El Land Art España se desarrolla en las décadas de 1970 y 1980. Podría decirse que hay varias etapas de land art en España:

1. -Oteiza y Chillida: Son los primeros escultores que ubican sus obras en espacios exteriores.

2. -Artistas conceptuales españoles: Àngels Ribé, Josefina Miralles, Francesc Torres y Francesc Abad-

-Artistas austriacos afincados en España: Adolfo Schlosser y Eva Lootz.

-Artistas españoles de land art: Nacho Criado, Perejaume, Miguel Ángel Blanco y Manuel Sáiz

3.-Jóvenes artistas que realizan land art y que dan a conocer sus obras en certámenes sobre arte y naturaleza.

LAND ART ACTUAL EN ESPAÑA

La mayoría de proyectos artísticos de Land Art en España de la actualidad se realizan bajo patronato de instituciones, fundaciones, ayuntamientos, gobiernos regionales, centros de arte y naturaleza que apoyan e intentan revitalizar los espacios naturales que disponemos en España. Los artistas necesitan de apoyos económicos para la realización de sus obras, ya que son obras, en muchos casos caras en su producción al necesitar maquinaria pesada para mover los materiales a utilizar. Los artistas de Land Art colaboran o intervienen en la naturaleza en distintos lugares donde son invitados o llamados a participar, como en certámenes para la realización de propuestas efímeras, en parques de esculturas, museos al aire libre, etc.

FUENTE:

-https://es.images.search.yahoo.com/yhs/search?p=LAND+ART&fr=yhs-avast-securebrowser&hspart=avast&hsimp=yhs-securebrowser&imgurl=http%3A%2F%2F3.bp.blogspot.com%2F-bcgR_PR2CSs%2FUqGMLbbiVZI%2FAAAAAAAACSY%2FSG8IA59twSo%2Fs1600%2Fapplemandala00.jpg#id=4&iurl=http%3A%2F%2F3.bp.blogspot.com%2F-bcgR_PR2CSs%2FUqGMLbbiVZI%2FAAAAAAAACSY%2FSG8IA59twSo%2Fs1600%2Fapplemandala00.jpg&action=click

-https://www.elmundo.es/elmundo/2012/07/04/cultura/1341412051.html

-https://landart2014.wordpress.com/2015/02/12/land-art-en-espana/

CAMPO DE RELÁMPAGOS

The Lightning Field (1977) del escultor Walter De Maria, es una obra de Land Art situada en una zona remota del desierto alto del oeste de Nueva México.

Walter de María ( 1935- 2013) era un artista estadounidense que trabajaba la ilustración, la composición y lo que más le caracterizó el “Land Art”, que consiste en el uso del entorno natural para hacer ahí su manifestación artística.

Fue a finales de los años 60 cuando abandonó su estudio en el “Soho” neoyorquino para trasladarse para profundizar y trabajar en espacios abiertos, como por ejemplo el de la obra que presentamos en el desierto de Nuevo México.

El Campo de Relámpagos fue una instalación efímera creada en el 1977. Consistía en cuatrocientos postes de acero pulido entre cuatro y ocho metros de altura colocados de manera ordenada en una cuadricula de casi dos kilómetros cuadrados, y en el que todas las puntas de los postes se encuentran al mismo nivel (por eso la diferencia de altura). Se puede observar en la siguiente imagen.

El artista lo compuso de esta manera, en la vasta llanura del desierto para que en las frecuentes tormentas del desierto actuaran como verdaderos pararrayos atrayendo los relámpagos hacia sí.

Esta es una de las obras del artista que más fama y repercusión ha tenido. Una idea original y maravillosa que cautiva al espectador al ver como el genial De Maria a utilizado la naturaleza como lienzo y pintura creando algo que hipnotiza en el que el cielo, la tierra y las condiciones atmosféricas que tanto nos sobrecogen a veces, en esta ocasión nos dejan unas imágenes de una belleza cautivadora.

Una experiencia completa del Campo de Relámpagos no depende de la ocurrencia de un relámpago, y se anima a los visitantes a pasar todo el tiempo posible en el campo, especialmente durante la puesta de sol y el amanecer. Para brindar esta oportunidad, se ofrecen visitas nocturnas durante los meses de mayo a octubre.

FUENTE:

-http://www.elsindromedestendhal.com/walter-de-maria-campo-de-relampagos-1977/

-https://es.wikipedia.org/wiki/The_Lightning_Field

TROUBLEMAKERS: THE STORY OF LAND ART

Si tienes cierto interés por saber más de Land Art, aquí os recomendamos una película: “TROUBLEMAKERS THE STORY OF LAND ART”

En el siglo XX en la década de los setenta un grupo de artistas norteamericanos y europeos empezaron trabajar con el medio ambiente y sus recursos naturales, es decir, que utilizaban el paisaje en vivo como su lienzo o soporte. Es clasificada como una corriente artística contemporánea y se le denominó como Land Art (arte terrestre), ya que su propósito elemental de este arte es alterar el paisaje e interviniendo la tierra.

Por lo general el Land Art es un arte efímero, nunca sobrevive al paso del tiempo y va desapareciendo lentamente por cuestiones climáticas, erosiones del terreno o rara vez el mismo artista decide deshacer la obra un vez de haberla registrado.

Lamentablemente para el espectador este tipo de obra es imposible exhibirse en galerías o museos, puesto a que sus proporciones son monumentales y se encuentran en lugares difíciles de acceder; lugares fuera del alcance del espectador tales como montañas, desiertos, islas, ribera de algún lago, bosques, etc.

De esta manera, y por decisión del artista, el Land Art evade la comercialización de las obras y queda totalmente independiente de museos o galerías, rechazando los espacios institucionales, cerrados o privados. El único medio para dar a conocer la otra es a través de registros fotográficos y fílmicos que estos si son expuestos en galerías y museos.

Se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente, y el mundo, expresando al mismo tiempo el dolor, debido al deterioro ambiental del clima que existe hoy en día. Lo principal es la interacción del humano-artista con el medio ambiente.

Se trata de un trabajo en colaboración mutua, el artista trabaja junto con el medio ambiente como el medio ambiente trabaja con el artista. El artista hace su obra y la construye alrededor del medio ambiente pensando en las posibilidades y beneficios que este le ofrece a su trabajo, pero también la obra del artista tiene que estar diseñada para interactuar con el medio ambiente ya que es un objetivo modificar ligeramente el paisaje.

El Land Art usa mucho los factores de simplicidad, sus características en dibujo casi siempre son básicos como líneas rectas, círculos, zigzag, cuadrados, la cruz y hasta a veces laberintos, aunque lo que más se utiliza es el espiral. Por ejemplo, una de las obras que más destaca en esta corriente es “Spiral Jetty” (1970) del artista Robert Smithson, que consiste precisamente de un gran espiral hecho de rocas, barro, cristales de sal en suspensión y rodeado de las aguas de la costa del Gran Lago Salado en el estado de Utah, Estados Unidos.

El artista Inglés Richard Long destaca por trabajar tanto en el medio ambiente como en lugares cerrados, y lo que hace es extraer materiales naturales y las lleva hasta el museo o galería donde presenta su obra y la instala ahí mismo.

Andy Goldsworthy, otro artista del Land Art, tiene una técnica muy peculiar para trabajar luego mucho con los colores que los escenarios naturales le proporcionan, utiliza rocas, hojas de árboles, ramas, flores, frutos y los acomoda en el suelo en orden cromático a su color logrando un gran efecto visual, diseña figuras muy artísticas, muy atractivas y coloridas. Su discurso de Goldsworthy habla de cómo la misma naturaleza invita al espectador a admirar su belleza artística.

Otro de los artistas es Christo, en su trabajo junto con su esposa Jeanne-Claude, idean proyectos muy complejos de realizar, pero a la vez son ambiciosos y espectaculares. Para realizar uno de sus proyectos para un proceso muy largo de reclutar cientos de voluntarios, convencer a ecologistas, obtener millones de dólares de financiamiento y conseguir complicados permisos por parte de autoridades locales, nacionales, propietarios, y además se asesora de expertos en flora y fauna para no afectar la naturaleza.

A pesar de trabajar en el campo de Land Art, Christo trabaja en escenarios urbanos y naturales. Su trabajo se le reconoce por sus envolturas gigantes de edificios históricos como el Reichstag en Alemania, pero uno de los más conocidos son las islas rodeadas de miles de metros de tela rosa, en la Bahía Vizcaína de Miami. La inmensidad de su trabajo es muy impresionante, sus intervenciones en el paisaje son majestuosas y crea la ilusión de infinito, como por ejemplo su obra de los “Paraguas” en Japón y California.

En conclusión el Land Art representa la relación entre el hombre y el medio ambiente, una relación que refleja el amor que le tiene el hombre a la naturaleza, pero a la vez esta relación refleja también los conflictos que existen entre ellos, al sobre explotar sus recursos y la destrucción de su hábitat. El Land Art crea una reflexión sobre este conflicto que siempre ha existido desde la aparición del hombre en la tierra. Nos muestra la interacción entre el arte creado por el hombre y la belleza artística natural del medio ambiente, la transformación de sus paisajes, sin alteraciones dañinas, ni mal uso de recursos naturales que sin duda la convierten en una tendencia artística muy contemporánea y muy poética.

Si te ha parecido interesante, no puedes dudar en ver esta película.

FUENTE:

-http://historiadelartecuatro.blogspot.com/2011/06/land-art.html

domingo, 21 de octubre de 2018

EL MISTERIO DEL ARTE

Entre el año 1 y 7.000 dc se tallaron piezas de roca con un tamaño entre 12 y 15 pulgadas, siendo las capas más profundas más oscuras que las superiores. El resultado fueron imágenes de animales, plantas, personas y formas geométricas. El hecho de que la mejor visibilidad de las mismas sea desde el cielo, desde un avión, ha dado lugar a una teoría que apunta a que fueron esculpidas para mandar un mensaje a los extraterrestres, a los astronautas o dioses antiguos

Es por ello que el arte no solo se puede apreciar y vivenciar en nuestra superficie sino e las alturas. Cuando sobrevolamos Perú, podemos observar dibujos en el suelo muy característicos realizados con materiales y entorno natural. A esto se le denomina las LÍNEAS DE NAZCA.

Aquí se aprecia un vídeo en el que podemos ver el arte y los misterios de la naturaleza.

¿ Desde cuando existe el arte en la naturaleza?

Hay hallazgos arqueológicos que dejan tantas dudas en el aire que acaban convirtiéndose en puros enigmas, traspasando incluso las fronteras de la razón y lo imposible

Los lugares más increíbles en este sentido se encuentra al sur de Perú,como se ha expuesto anteriormente, en un terreno árido y caluroso que no queda muy lejos del océano Pacífico, pero del que no llega ni la más mínima brizna de brisa

Las Pampas de Nazca, Palpa y Socos son un enorme tapiz de tierra muerta que contiene “señales” que superan los dos mil años de antigüedad. Son las conocidas como Líneas de Nazca.

y¿Qué son las líneas de Nazca?

Las Líneas de Nazca son una serie de caminos trazados en la superficie terrestre que ocupan una basta extensión ubicada en el desierto de Nazca, localizado en el departamento de Ica en Perú.

Se trata de dibujos trazados en la tierra con forma de figuras geométricas, antropomorfas, zoomorfas y fitomorfas, con unas longitudes de entre 50 y 300 metros, que se extienden sobre una superficie de 450 metros cuadrados. El ancho de las líneas oscila entre los 40 y los 210 centímetros, y su profundidad nunca excede de los 30 centímetros.

Fueron trazadas mediante la retirada de los materiales de la superficie terrestre, guijarros de un color rojizo causado por la oxidación, quedando a la vista una tierra más pálida, que es la que dibuja las formas que se pueden apreciar desde las alturas.

La obra se ha conservado prácticamente intacta a lo largo de los siglos gracias a que en la zona apenas llueve, lo que ha favorecido su preservación.

Entre los geoglifos más llamativos y populares se encuentran los siguientes:

El colibrí, cuya imagen puedes ver en la portada de este reportaje. Destaca por sus dimensiones armónicas. Entre sus dos alas hay una distancia de unos 66 metros. Según la historiadora María Rostworowski, esta figura es un homenaje a un dios volador para evitar la ausencia de lluvias.

El mono tiene una cola en forma de espiral y nueve dedos, y su tamaño es de 135 metros. Fue descubierto por María Reiche, quien considera que la cola y las manos del geoglifo tienen relación directa con las constelaciones y la temporada de lluvias. Se cree que representa la Osa Mayor.

La araña es otra de las figuras más características de Nazca. Mide unos 46 metros de largo y se cree que se trazó para evitar las sequías.

El pájaro gigante mide 300 metros de largo y 54 de ancho. Tiene el cuello con forma de culebra y su pico apunta directamente hacia el punto en el que sale el sol en el mes de junio. Los investigadores consideran que es el "Anunciador del Inti Raymi", la fiesta solar de los incas.

El hombre - búho, popularmente conocido como el astronauta, es una extraña figura antropomorfa que se ha convertido en una de las más conocidas de las Líneas de Nazca. Las teorías pseudoarqueológicas defienden que se trata de una figura con escafandra o casco y se apoyan en ella para explicar que los geoglifos fueron trazados como mensajes para los extraterrestres.

La ballena tiene un tamaño de unos 60 metros de ancho y 20 de alto. Los investigadores creen que simboliza una deidad marinas.

Los investigadores se mueven entre la posibilidad de que estos dibujos fueran meros centros ceremoniales del pueblo Nazca y las elucubraciones sobre representaciones hechas para honrar a los visitantes de otros mundos. Hay quien incluso piensa que se tratan de pistas de aterrizaje de objetos volantes no identificados.

Como podemos ver, estamos ante claras obras de Land Art pues reúne todos los requisitos de este arte.

Sacamos como conclusión, que el Land Art es una corriente que lleva desde la antiguedad presente, aunque no se le haya dado nombre. Las líneas de Nazca es un misterio por dos cosas: En primer lugar, nadie reclama su obra y en segundo lugar, solo podemos apreciarlas desde la altura por lo que probablemente quiera transmitir un mensaje al cielo.

PARA SOLVENTAR NUESTRAS DUDAS, HAY QUE VIAJAR A NAZCA Y SOBREVOLAR ESTAS LÍNEAS.

FUENTES:
https://computerhoy.com/noticias/life/9-descubrimientos-antiguos-explicacion-hoy-dia-78791
https://www.clarin.com/viajes/misteriosas-lineas-nazca_0_SkUz4_JUz.html
https://es.wikipedia.org/wiki/L%C3%ADneas_de_Nazca

TODO POR ELLOS/ AUTORES

Christo (n. 1935) & Jeanne-Claude, con sus típicos embalajes.

El matrimonio Christo y Jeanne Claude de artistas del land art, él de origen búlgaro y ella nacida en Marruecos, pero de familia de origen francés, se conocieron en París. Desde 1964 establecieron su residencia en Nueva York. Sus obras, según ellos solo pretendían embellecer el planeta, no tenían ninguna significación más allá de esto. Obras de artistas del land art son mundialmente conocidas por estar cubiertas con enormes tiras de tela. En sus primeras obras empezó cubriendo objetos cotidianos y abarcables para un ser humano, posteriormente ampliaron los objetivos entelando grandes monumentos como el Reichstag en Berlín, 1971-1995, grandes superficies de tierra como en la obra Valley Curtain en Rifle,Colorado, Umbrella Christo y Jeanne Claude1970-1972, o colocar cientos de sombrillas sobre varias playas en EEUU y Japón, Umbrella, 1984-1991. Muchos de los trabajos de estos artistas del land art no han visto la luz por los problemas con los permisos de actuar en determinados sitios o por falta de financiación. Además proyectaron trabajos que no se han realizado pero que se realizarán próximamente como Over the river o The mastaba.

Michael Heizer(1944)

Es considerado como uno de los más relevantes artistas de Land Art o Earth Art, y en su trabajo artístico se refleja su pasión por el paisaje. Considera la tierra como el material con más potencial porque es el origen de todo material.

Transforma el territorio para crear obras carentes de materialidad. Esto se aprecia en gran medida en su obra Displaced-Replaced Mass, realizada en el desierto de Nevada en 1969, en la que el artista realiza una enorme zanja e introduce en su interior una roca de grandes dimensiones que se encontraba bajo el suelo.

Es de especial importancia la relación con los bordes, el espacio existente entre continente y contenido. Se trata de ocupar el espacio, pero no de ocuparlo de cualquier manera.

La proximidad, la separación, el sutil roce, el brusco encuentro…Todas formas diferentes de ocupación, que definen las características de la obra.

En los dos casos, la belleza de lo ausente se hace patente cuando la ausencia de materialidad potencia la singularidad del objeto.

Objetos encontrados en los que se refleja el paso del tiempo…

Robert Morris

Robert Morris (nacido el 9 de febrero de 1931, Kansas City, Missouri ) es un escultor estadounidense, artista conceptual y escritor. Explora relaciones entre el artista, obra, público y espacio circundante. Es considerado como uno de los teóricos más destacados del minimalismo, junto con Donald Judd , pero también ha hecho importantes contribuciones al desarrollo del arte de la performance , el minimalismo, el land art , el proceso de la técnica movimiento y arte de la instalación .

Nicolás García Uriburu

Este autor se dio a conocer como precursor argentino del land art, como un hecho inédito, nunca antes realizado, cuando en 1968, durante la Bienal de Venecia, tiñó los canales con un material biodegradable, color verde fosforescente. Desde entonces inauguró un gran debate entre los presentes, denunciando un tema del que nadie hablaba en el arte: la contaminación de ríos y mares.

Dennis Oppenheim

El artista gráfico y escultor Dennis Oppenheim (Washington, 1938), es considerado por los críticos e historiadores del arte como uno de los más destacados creadores estadounidenses del siglo XX. Precursor del arte conceptual, pionero de la performance y alcanzando la fama y reconocimiento público como parte de la generación de artistas que dio a conocer el land art. El Land Art fue un cruce entre la arquitectura y la escultura que tuvo como escenario la naturaleza (el paisaje) y que nació a mediados de la década de los 60. Consistentes en excavaciones o enterramientos, las primeras obras se realizaron en los duros paisajes del oeste de los Estados Unidos.

Robert Smithson

Robert Smithson (1938 – 1973) fue un artista contemporáneo relacionado con el movimiento Land Art. Estudió pintura y dibujo en Nueva York. Su tipo de pintura preferida es la pintura abstracta, tipo de pintura que dejó para consagrarse, a partir de 1962, a la escultura. Comenzó a trabajar en lugares suburbanos, empleando para sus trabajos el término Earthworks (obras de tierra). Sus construcciones, esculturales sin ninguna función utilitaria, son así obras efímeras. Sus obras son gigantescas, construidas con la ayuda de máquinas industriales, lejos de la población. Su obra más conocida posiblemente sea la Spiral Jetty creada en abril de 1970 en el Gran Lago Salado en Utah.

Richard Long

Richard Long: Otro de los land art artistas británico que realiza sus trabajos en la naturaleza pero que trabaja sus ideas a lo largo de sus paseos entre la naturaleza. No suele modificar mucho el paisaje, aunque si que utiliza materiales encontrados. A veces realiza esculturas y otras arquitecturas. Las principales formas que trabaja son el círculos, espirales, líneas o aspas-cruces. Sus obras, aunque conceptualmente complejas,Artistas de Land Art Richard Long son simples, geométricas por lo general y limpias. Desde los años 80 empieza a experimentar con el barro aplicándolo con sus manos sobre paredes recordándonos las primeras pinturas humanas en las cavernas por nuestros antepasados. Sus obras, al igual que Goldworthy, son en unos casos efímeras, pero también ha trabajado en obras permanentes para galerías

Andy Goldsworthy:

Andy Goldsworthy es profesor de matemáticas aplicadas en la universidad de Leeds y nacido en Cheshire, es considerado el primero en crear las esculturas de piedras en equilibrio.

- Uno de los artistas más importantes por sus obras impactantes. La confecciona a escala humana con increíble detallismo y colorido. Los materiales son encontrados en la naturaleza y sus ideas surgen en esta .

- También ha realizado obras permanentes, además de las realizadas en la misma naturaleza que tienen carácter efímero..

Nils-Udo (1937-actualidad)

Artworks Nils UdoNils-Udo es uno de los land art artistas alemán que comenzó pintando paisajes para después pasar a realizar esculturas y obras land art y earthworks

Sus trabajos están realizados con objetos de la naturaleza encontrados para crear formas fantásticas y que crean juegos de imágenes utópicas, donde los land art artistas transforman la naturaleza para saca r a la luz las posibilidades que posee en su interior