DE CUBO EN CUBO POR EL PUERTO DE LLANES

Estas fotografías que podéis contemplar son fruto del escultor y pintor vasco Agustín Ibarrola cuya intervención artística se denomina LOS CUBOS DE LA MEMORIA.

Fue una obra iniciada en el año 2001 y se encuentra situada en el municipio de Llanes (Asturias) en el puerto marinero del pueblo. Se trata de una original idea, un tanto discutida, de la línea de Ibarrola, que consistió en pintar los bloques de hormigón de la escollera del puerto convirtiéndolos en una enorme escultura donde cada uno de los bloques han sido pintados con un motivo o sentido distinto representando las ideas de Ibarrola.
Constituye una de las mejores manifestaciones de arte público donde se funden elementos esenciales de la obra del artista con el pasado histórico cultural de la vida de Llanes.

La obra fue realizada en dos fases: la primera fase; finalizada en septiembre de 2001, la realizó en el frente interior de la escollera del puerto (cara sur) en la que fueron pintadas 300 caras de 100 bloques, y la segunda fase, llevada a cabo en verano de 2002, la realizó en el frente que da al mar abierto (cara norte) en la que fueron pintadas 177 caras de 66 cubos.
"En los Cubos de la Memoria" conviven dos vertientes artísticas, una figurativa y expresionista, fundamentada en la representación de elementos tomados de la realidad física, y otra conceptual y analítica, que nace de una experimentación artística pura.
Además, a través de éstos se pueden llevar a cabo tres posibles lecturas:

1. LA MEMORIA DEL ARTISTA: se proyecta en el acabado general en el que Ibarrola sigue interesado por la interacción sobre el espacio plástico de elementos de la creación artística como la línea, el color, la forma o el plano.
2. LA MEMORIA DEL TERRITORIO: hace referencia a los motivos figurativos que remiten a señas de identidad y rasgos destacados de la memoria cultural y paisajista de la Villa de Llanes como la población marinera, el mar, las gaviotas, el oleaje, el pueblo y su gente…
3. LA MEMORIA DEL ARTE: vinculado a las representaciones abstractas como el punto, usado como finalidad simbólica desde la prehistoria, con la experimentación artística de vanguardia, nutriéndose así de la teoría del arte a través del tiempo.

Destacar que el cubo es el soporte artístico que le da a esta obra un carácter pictórico y escultórico al mismo tiempo. A continuación, pasaremos a hablar sobre los temas no figurativos de la obra: la experimentación artística.

• COLOR: es usado como referencia primaria para distinguir los espacios y cubos entre sí. El artista ha conseguido que dos espacios del mismo color en dos cubos adyacentes indiquen una continuidad, es decir, la prolongación de un espacio color. Apuesta por colores totalmente llamativos, y además, da la sensación de que los enormes y pesados bloques de hormigón parecieran bloques de juguetes pues gracias al color el artista consigue que el hormigón pierda peso, y destaque lo visual.
• LÍNEAS: podemos ver que las líneas no tienen únicamente límites entre colores sino que también tienen su significado. Las líneas saltan de un cubo hacia otro destruyendo la realidad del cubo por lo cual ninguna de las líneas recorren un cubo para coincidir en un vértice. Es más, el artista quiere deshacer la realidad del cubo no unirla. Las líneas tienen inflexiones y pliegues en los que se apoya el carácter dinámico de la composición. Los planos se mueven, se superponen y se desplazan unos sobre otros, siguiendo en todo momento la dirección de la inflexión, sea línea recta o curva.
• VOLUMEN: mediante el juego de las líneas y colores el cubo pasa hacia otro rompiendo su volumen. El sentido del soporte de la obra radica en un conjunto relacionado entre sí formado por cubos diversos dispuestos de distintas formas perdiendo su perpendicularidad, aumentando de dicha forma las líneas diagonales.

Por tanto, podemos decir que la obra en su conjunto sigue una estructuración y que Ibarrola ajusta a la geometría de los cubos de hormigón y a la discontinuidad de sus aristas, primas, volúmenes y superficies, para producir efectos ópticos y conceptuales.

En lo referente a los temas figurativos de la obra, encontramos la memoria del territorio con su correspondiente significado para el artista.

Como se mencionó anteriormente, la creación de Ibarrola se puede leer de tres formas diferentes, al igual que tiene sus diferentes etapas históricas y con su propio significado para el autor pues lo expresa en la pintada de los cubos. Las etapas son las siguientes:

PREHISTORIA: podemos ver en varios cubos representaciones de símbolos más antiguos del arte prehistórico, más concretamente del arte paleolítico, ocultos en el interior de las cavernas con la pintada de animales prehistóricos y colores marrones y rojos.

ÉPOCA MEDIEVAL: el artista representa símbolos del arte románico local, de transición al gótico. Encontramos representaciones de animales tomadas de esculturas de templos medievales muy cerca de los animales prehistóricos. Sobre el fondo de color claro, recreó en color blanco los símbolos más tardíos.

EL MAR: recrea el mar, lugar en el que habitan las gaviotas, y más abajo, sumergidos se encuentran los peces y ojos que nos miran desde el fondo, y las líneas onduladas de algunos cubos próximos al agua sugieren el movimiento de las olas. Además, representa la relación del ser humano con el mar a través de la representación de remos, arpones y cuchillas usadas para la pesca.

LOS EMIGRANTES: la maleta bajo la lluvia alude a la tristeza de la emigración y separación del entorno y familia mientras que la palmera y nuevos elementos artísticos, representados con la ventana modernista y las decoraciones con curvas, simboliza el enriquecimiento de las nuevas formas artísticas y mentales.

LOS PRODUCTOS DE LA TIERRA Y EL FOLKLORE: podemos recorrer el territorio de la zona a través de los productos de su tierra y actividades humanas de la que depende el municipio: naranjas y limones, uvas y manzanas, los mayos usados para hacer sida y mayar manzana, y cencerros y bellotas.

Los cubos de la memoria convierten al municipio llanes en uno de los sitios turísticos con gran belleza artística a la contemplación armónica de sus formas y colores que cambian constantemente con la luz, el agua...

Ibarrola desea que su obra artística sea descubierta, conocida e interpretada en un paisaje humanizado y potente como es el paisaje llanisco, y así lo ha reflejado en sus pintadas, despertando el interés de los turistas para que exploren el territorio, y también, el interés por el arte.

IBARROLA: "el paisaje ha sido construido por el hombre desde que existe; el paisaje que vemos todos los días tiene la geometría que el hombre le ha venido dando a lo largo de toda la historia".

Fuente:

https://www.babab.com/no20/ibarrola2.php

http://www.el-caminoreal.com/cubosdelamemoria.htm

https://www.desdeasturias.com/los-cubos-de-la-memoria/

https://turismoenllanes.es/2015/05/23/el-llanes-de-la-memoria-que-son-los-cubos-de-ibarrola/

SEXUALIZACIÓN DEL TERRITORIO Y FEMINISMO EN EL LAND ART.

En esta entrada vamos a ver otros planteamientos menos importantes sobre el Land Art, pero que igualmente merecen ser tenidos en cuenta. El primero de ellos sería el relacionado con la sexualización. 

Este es un punto que va unido a lo comentado en otras entradas sobre las culturas primitivas. La idea del tiempo en el Land art está concebida de una manera cíclica, de ahí su aproximación a culturas primitivas, las cuales ya llevaron a cabo intervenciones en el paisaje. Estos pueblos concebían la naturaleza como una diosa madre, consistiendo gran parte de sus rituales en la celebración de la fecundidad de la Tierra, lo que permite la vida. De estas interpretaciones saldrá la idea de que las oquedades representan la feminidad, mientras que las líneas plasmarían lo masculino. Esto lo utilizarán los creadores de este arte de la tierra del mundo contemporáneo. 

Un artista que nos ofrece mediante sus trabajos esta visión del territorio, es Graham Metson. De sus trabajos podríamos destacar su famosa obra, a medio camino entre la performance y el body art, titulada Renacer.

Renacer, Graham Metson

Metson nos muestra esa concepción, que ha existido a lo largo de todo el devenir de la Humanidad, de considerar a la naturaleza como una diosa madre. Para ello realiza un agujero y se introduce en él adoptando una posición fetal. Con esto nos habla de unas reflexiones claras sobre la existencia, la vida, la sacralización de la naturaleza, etc. 

Esta perspectiva de la naturaleza como representación de lo femenino, derivó, en cierto momento, en una vinculación que se estableció entre Land art y el feminismo. Esto ha llevado a que el Land art haya podido explicarse bajo una óptica femenina, como desarrolla T. Raquejo, a partir de lo apuntado por Lucy Lippard, ya que “el land art ofrece un marco para la actividad artística femenina muy acorde con su idiosincrasia, ya que las mujeres, según ella, no sólo identificamos las formas de nuestro cuerpo con las ondulaciones de la tierra, sino que llegamos a experimentar en nuestro propio cuerpo los ciclos naturales y hasta planetarios, pues los periodos menstruales están determinados por el ritmo lunar y, por tanto, por las energías magnéticas de la Tierra y las mareas oceánicas”. 

Siguiendo estos planteamientos, se ha llegado a concluir que en la actividad de los artistas masculinos hay un cierto recelo a la hora de intervenir en la naturaleza, llegándose a calificar como agresiones sexuales las excavaciones que realizan en la tierra. Se esté de acuerdo o no, sobre estas teorías hay que tener siempre en cuenta las corrientes feministas de la época en la que se alcanzan o desarrollan estas conclusiones.

ECOFEMINISMO

El ecofeminismo es un movimiento que ve una conexión entre la explotación y la degradación del mundo natural y la subordinación y la opresión de las mujeres. Emergió a mediados de los años 70 junto a partir de diversos movimientos sociales como son los movimientos feminista, pacifista y ecologista. 

El ecofeminismo une elementos del feminismo y del ecologismo, pero ofrece a la vez un desafío para ambos. Del movimiento verde toma su preocupación por el impacto de las actividades humanas en el mundo inanimado y del feminismo toma la visión de género de la humanidad, en el sentido que subordina, explota y oprime a las mujeres.

La primera que utilizó el término fue Françoise d'Eaubonne, aunque se popularizó en el contexto de las numerosas manifestaciones contra la destrucción del medio ambiente provocadas por repetidos desastres ecológicos, como la fusión del núcleo del reactor de Three Mile Island.

Este movimiento se identifica con las mujeres que piensan que la devastación del planeta por parte de las empresas y la amenaza nuclear por parte de huestes militares son manifestaciones de la mentalidad masculina que pretende negar el derecho de las mujeres a su propio cuerpo y a su sexualidad, y que se apoya en sistemas de dominación y poder estatal para imponerse.

El feminismo y la ecología son dos movimientos sociales fundamentales en el siglo XXI. Gracias al feminismo las mujeres toman conciencia como colectivo, y el ecologismo hace evidente la insostenibilidad del modelo de desarrollo tecno-económico.

Para terminar, os dejamos un vídeo para los que estén más interesados en conocer algo más sobre el ecofeminismo. Es una conferencia de Yayo Herrero donde aclara conceptos y relata experiencias sobre esta corriente.

Fuente: Texto de Luis Javier Gómez Martín, publicado en la revista electrónica Clasesdehistoria.
http://www.claseshistoria.com/revista/2009/articulos/gomez-landart.pdf

http://www.wloe.org/que-es-el-ecofeminismo.308.0.html

TIEMPO, ACCIÓN, ESPACIO Y LUGAR EN EL LAND ART.

EL TIEMPO Y LA ACCIÓN EN EL LAND ART.

Cuando se hace referencia al tiempo en el arte contemporáneo, siempre sale a luz la concepción del tiempo como algo cíclico, es decir, una vuelta a los orígenes. 

Ejemplo de ello es cómo varios artistas, como es el caso de Robert Morris, se acercan a monumentos megalíticos como Stonehenge o las famosas líneas de Nazca, que se fechan entre el 300 a.C. y el 800 d. C. Estas manifestaciones de culturas pasadas tenían sus modernas manifestaciones propias del mundo contemporáneo. Tal era el caso de las huellas dejadas en los campos por las lanzaderas de cohetes y naves espaciales en los años 60 del siglo XX. 

Pero lo interesante en esta preferencia por las huellas del pasado es que no tiene un sentido nostálgico, de añorar ese pasado primitivo, sino cómo a pesar del tiempo pasado y lo que hemos progresado tecnológicamente, resulta que en esencia seguimos siendo los mismos.

Líneas de Nazca, Perú

Dentro de este apartado relativo al tiempo son interesantes las reflexiones que realiza Dennis Oppenheim, pero aquí haremos valoraciones generales, en las que también participan las obras de Oppenheim. 

Por hacer unas breves referencias su labor, en su obra Anillos anuales, sus anillos se encuentran en la frontera entre EE.UU. y Canadá. De esta forma consigue que las líneas que traza se encuentren en dos husos horarios diferentes, a pesar de estar en un reducido espacio. Su pretensión es mostrarnos cómo el tiempo que vivimos no es real, sino que es una ficción creada por nosotros mismos (estas reflexiones ya se habían puesto de manifiesto en los inicios del cine con las primeras películas que saben combinar a la vez dos acciones y tiempos distintos, como por ejemplo en Asalto y robo de un tren de Porter, en 1903). 

Pero, tal vez, el aspecto más interesante relativo al tiempo sea la importancia del proceso (ya hemos visto la manera en que, a través del proceso, se vincula el Land art con el arte conceptual). Como dice Tonia Raquejo, la obra del Land art está constituida por un instante, mil procesos. Cualquier earthwork está conformado por un largo proceso encaminado a un instante que culmina dicho proceso, dando así completa plenitud a la obra. 

Sólo hay que pensar en trabajos como el de Robert Smithson titulado Leñera parcialmente enterrada, de 1970. En esta obra Smithson se dedica a ir tapando con tierra, que arroja con una excavadora, una construcción, hasta que ésta, por el peso de la tierra, se cayó. Aquí evidentemente se busca ese instante concreto en el que la estructura cede, pero no menos importante es el proceso seguido, ya que importa tanto el resultado como el proceso. Y este es un buen ejemplo para ver que este trabajo de Smithson se encuentra bordeando entra la performance y el arte de acción. 

Obviamente, en el Land art cobra gran importancia el proceso porque se juega con lo efímero de la obra. Y en relación a este carácter efímero, también tiene importancia el proceso de creación, no ya sólo el que realiza el autor, sino la propia acción que ejerce la naturaleza. Podemos recordar trabajos como los de Peter Hutchinson, que coloca productos perecederos en la naturaleza para ver cómo ésta realiza su acción sobre ellos, además de jugar con la idea del paso del tiempo.

EL ESPACIO Y EL LUGAR EN EL LAND ART.

Otro de los puntos interesantes del Land art es la cuestión relativa al lugar y al espacio. En referencia a este asunto, el estudio de la idea del espacio y del lugar, podríamos estructurarlo en tres apartados: 

1. El lugar como localización, es decir, su importancia a la hora de realizar un determinado trabajo. 
2. El diálogo entre espacios interiores y exteriores.
3. La aparición del no-lugar en las obras de R. Smithson. 

La importancia del lugar cobra toda su significación en el caso del Land art, ya que el paisaje que se elige para llevar a cabo la intervención nos condiciona, nos imponen sus características. 

Por ejemplo Richard Long, inglés, se distanciaba de los americanos en su forma de intervenir en la naturaleza. A diferencia de ellos no se muestra tan agresivo, no realiza perforaciones o grandes excavaciones, sino que se limita a trazar líneas, espirales, etc., en el suelo, o a mostrarnos esos hallazgos que han tenido lugar durante su paseo por el paisaje. Esto lo que provoca es que Long establezca un diálogo con la naturaleza y, esto también es importante, con el lugar. Este íntimo contacto entre artista y lugar es lo que llevará a Long a determinar que cada trabajo representa una intervención única, que responde al propio lugar y que no podría darse en ningún otro sitio. 

Este diálogo con el lugar y la forma de proceder a la hora de llevar a cabo lo proyectado supone un claro contraste con lo que harán otros artistas del Land art, siendo el motivo que impulse a Richard Long rechazar su inclusión en esta corriente.

No-lugar Essen, R. Smithson

Contenedor del No-lugar Mono Lake, R. Smithson

La obra de Land art, por definición, nos lleva a espacios naturales abiertos, es decir, al exterior. Pero lo llamativo es que al organizar una exposición se crea una confrontación entre el espacio exterior y el espacio interior. 

Cuando en una muestra se nos dan las fotografías tomadas de lo hecho en la naturaleza, en el exterior, entramos en una problemática. Lo que aquí se plantea es si debemos considerar, o no, esos documentos gráficos como parte de la obra. Porque en estos casos se plantea si lo allí mostrado es un simulacro de la obra exterior. 

Normalmente se tendía a pensar que toda esa documentación sólo servía como fuente gráfica para conocer el modo en que se había concebido la obra. Pero el Land art cambia esta visión, ya que por la importancia del proceso y lo efímero del resultado, estas fotografías o restos de la naturaleza que se toman y se llevan al interior de la galería, forman parte del lugar de igual manera que la propia intervención o acción que se lleva a cabo en la naturaleza. 

A partir de esta dialéctica entre espacio exterior y espacio interior, se deriva otro camino interesante, en este caso explorado por Robert Smithson: la investigación que efectúa sobre el lugar y el no lugar, que le llevará a realizar obras tan interesantes como No-lugar Essen o el mapa del No-lugar Mono Lake, ambas a finales de la década de 1960.

Podemos destacar algunas características de la relación que establece el artista entre el lugar y el no-lugar. Para T. Raquejo esta relación consta de tres niveles:

1. Ambos dominios están presentes y ausentes al mismo tiempo. El no-lugar es la ausencia del lugar; pero en el lugar también hallamos ausencia, pues una parte del material ya no está allí, está llenando el contenedor que se expone en la galería.
2. Ambos son contenedores. El no-lugar es un contenedor, que a su vez está dentro de otro contenedor, la habitación. De la misma manera, el territorio del afuera donde se interviene es otro contenedor, pues se delimita con respecto a la totalidad del entorno.
3. Cosas en dos dimensiones y en tres dimensiones se intercambian sus sitios, de tal manera que hay un cambio de escalas. Lo grande se convierte en pequeño, y lo pequeño en grande, como consecuencia de los medios a través de los cuales se presenta la obra.

Sin duda, esta reflexión sobre el lugar y el espacio constituye uno de los puntos más atractivos de cuantos se plantea el Land art.

Fuente: Texto de Luis Javier Gómez Martín, publicado en la revista electrónica Clasesdehistoria.

http://www.claseshistoria.com/revista/2009/articulos/gomez-landart.pdf

URBAN LAND ART

Si prestamos atención y miramos más allá, podremos observar que dentro de la corriente artística del Land Art, existen varias representaciones del Land Art fusionados con otras corrientes artísticas como pueden ser el arte conceptual, surrealismo, el arte figurativo, el arte contemporáneo, etc. formando así lo que se podrían llamar subgrupos dentro del Land Art, y un claro ejemplo de ello es el Urban Land Art.

El urban art o también llamado arte callejero se ha considerado desde el principio de sus orígenes un arte controvertido y clandestino, sin embargo, cada vez ha adquirido un mayor protagonismo en el panorama artístico mundial, tomando las ciudades y las calles como si de una galería de arte se tratase, e incluso en ocasiones, resultando más eficaz para los artistas que las exposiciones tradicionales.

De esta manera, se ha ido evolucionando desde la espontaneidad del arte callejero hacia la creación propia del urban land art, que supone una mayor reflexión y una vocación paisajística. Además de ello, el urban land art resulta un recurso o herramienta eficiente para crear una ciudad y renovarla, por lo que en los últimos años su interés en el campo de la arquitectura y el urbanismo ha tomado bastante fuerza.

Si tuviéramos que definir el concepto del urban land art, podríamos decir que este movimiento es todo tipo de manifestación artística cuyo soporte se apoya sobre elementos urbanos y que colabora con su existencia a definir el paisaje urbano.

El ser humano tiene la necesidad de expresar sentimiento o emociones propias y de comunicar esos pensamientos mediante diferentes recursos técnicos disponibles. Para ello, el arte el arte es el instrumento y vía de difusión que favorece una comunicación tan efectiva o incluso más que el lenguaje verbal, ya que en la mayoría de casos no suele necesitar un conocimiento previo para entender la obra.

A medida que ha ido avanzando la historia, el arte también ha ido evolucionando a la vez que la sociedad y se ido adaptando a las transformaciones sociales, económicas, urbanas, culturales y tecnológicas de cada época. Por lo tanto, en este caso el arte (en este caso el Land Art) se ha ido adaptando al urbe, utilizando las zonas urbanas para emplear su actividad y representaciones artísticas. 

Fuente:

https://riunet.upv.es/handle/10251/72099

https://riunet.upv.es/bitstream/handle/10251/72099/Memoria_14732386461268787470626652781982.pdf?sequence=2&isAllowed=y

TÚNELES DEL SOL, NANCY HOLT

   Los túneles del sol, obra de Nancy Holt (1973-1976), se realizaron usando cuatro tubos de hormigón taladrados, con un diámetro interior de 2,5 m., longitud de 5,5 m y 22 Tm de peso, dispuestos en forma de cruz y alineados en el sentido norte-sur y este-oeste. Su posición axial se corresponde con las posiciones extremas del sol durante los solsticios. Para su realización requirió el trabajo de varios astrónomos, un astrofísico, ingenieros, topógrafos, carpinteros, una empresa constructora de tuberías, y un buen número de máquinas de gran tamaño (hormigoneras, gruas, apisonadoras, etc.)

   Si tuviéramos que hacer una relación de las características del Land Art, con las dificultades que entrañan siempre este tipo de generalizaciones, podríamos apuntar:

• La integración con el entorno es fundamental. Las obras se conciben para un emplazamiento concreto y se realizan en el mismo. Su creación implica la modificación de superficies, estructuras y materiales, y pasan a formar parte del lugar.
• El artista se propone provocar emociones y sensaciones en el espectador que contempla la naturaleza, modificando para ello una pequeña porción de la misma. Esto les confiere un sentido místico o misterioso.
• La obra de arte no está concebida ni para ser vendida ni para ser exhibida en un museo, con lo que también buscan denunciar la comercialización del arte aunque, paradójicamente, estos artistas continúan trabajando con las galerías.
• Se rompe con la tradición escultórica, en tanto en cuanto que ahora una escultura podía ser un montículo de arena, un campo de barras metálicas, una cabaña sepultada por la tierra, una senda en el césped, o incluso una simple mirada como decía W. de María.
• Por su propia naturaleza, muchas de ellas se tratan de obras efímeras, que sólo se conservan en fotografías u otro tipo de soportes.
• Usan un mínimo de elementos expresivos y parten de trazos primarios:línea recta, círculo, cuadrado, espiral, cruz, zig-zag, etc.
  
  
  Aquí os mostramos imágenes de la obra realizada por esta artista:
  
  
  

LAS CITAS IMPRESCINDIBLES DEL LAND ART

  Podemos destacar una gran variedad de citas sobre Land Art, entre ellas están:

"Todo el asunto se ha construido especificamente para la televisión, de ese modo, en el momento en el que la gente sigue el proyecto por televisión, tiene (durante ese tiempo) una obra de arte original en sus casas” Jam Dibbets (Acerca de la película “Land Art” de Gerry Schum)

“El medio y el mensaje es la propia Madre Tierra” Grace Glueck

“La escultura como forma, como estructura, como lugar” Carl Andre

“Me gusta la simplicidad de caminar, la simplicidad de las piedras”  Richard Long

“En lugar de valerse de un pincel para crear su arte, Robert Morris prefiere un bulldozer” Robert Smithson

“Durante los últmos diez años una serie de objetos cuando menos sorpendentes han sido considerados esculturas” Rosalind Krauss

“Me interesa el arte que no forma parte de la cultura” Carl Andre

“Es una experiencia de contraste de la geometría y la armonía con la naturaleza”  Herbert Bayer

“El terreno está ahí no sólo para ser contemplada, sino para que se reflexione sobre ella” Walter de María

“El terreno no es el escenario, es parte de la obra” Walter de María

“La obra no puede representar la experiencia de una caminata” Hamish Fulton

“La fotografía se ha convertido en el medio a través del cual hablar sobre mi escultura” Andy Goldsworthy

“La obra es el lugar” Andy Goldsworthy

“Puede que uno de los efectos del arte sea acabar con el estatus de mercancia de las obras de arte” Michael Heizer

“Pretendía presentar el vasto espacio del desierto a escala humana” Nancy Holt

“Los artistas de la actualidad toman su inspiración de cráteres formados por meteoritos, de fosas volcánicas, pero también de presas, montículos funerarios, acueductos, fortificaciones y fosos, para construir obras que cambien la superficie de la Tierra” Peter Hutchinson

“Me gusta el arte simple, práctico, tranquilo emocional, vigoroso. Me gusta la simplicidad de caminar” Richard Long

"El trabajo que he realizado ha tenido siempre un motivo físico en lugar de una base conceptual o abstracta” Mary Miss

“La obra no está ubicada en un emplazamiento, es el emplazamiento” Dennis Oppenheim

“Tengo la impresión de que una de las principales funciones de la actividad artística es ampliar los límites de cuanto puede hacerse” Dennis Oppenheim

“El mundo necesita carbón y autopistas pero no necesitamos los residuos de una explotación a cielo abierto ni los de la construcción de la vía […] El arte puede convertirse en un recurso que medie entre la ecología y la industria” Robert Smithson

“Dentro de la ciudad los monumentos públicos deberían captar y revitalizar la historia del entorno original de su emplazamiento” Alan Sonfist

“El espacio del cráter debe complementar y hacer accesible la percepción de la bóveda celeste” James Turrell

UNIDAD DIDÁCTICA SOBRE LAND ART II

   INTRODUCCIÓN:

En esta unidad didáctica vamos a trabajar el Land Art; esta expresión artística es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas,fuego, agua etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste estadounidese a finales de los años sesenta.

Para trabajar esta unidad didáctica en el aula con los niños de 3º de Primaria, formaremos grupos de 5 alumnos. Cada uno de estos grupos tendrá que buscar diferentes elementos naturales (hojas, palos... etc.) por el patio del colegio hasta reunir una gran cantidad. Después, cada grupo realizará libremente un dibujo con los materiales que han recogido. Tras finalizar la actividad, subiremos a otra planta desde la que podamos observar el resultado final, el resto de grupos tendrán que adivinar o explicar que les sugirere cada obra de sus compañeros y finalmente realizaremos una fotografía.

OBJETIVOS:

- Desarrollar la creatividad y la autonomía.

- Fomentar el trabajo en equipo

- Trabajar el Land Art

- Trabajar con materiales naturales y/o reciclados

CONTENIDOS:

 

 Conceptuales:
-Concepto de fotografía como forma de arte
-La configuración del espacio: las agrupaciones por contraste o analogía, las gradaciones de texturas, las diferencias de tamaño, las superposiciones y transparencias de planos.

 Procedimentales:
-Realización de composiciones estáticas y dinámicas teniendo en cuenta los conceptos de equilibrio, proporción, escala y ritmo.
-Creación del Land art.

 Actitudinales:
-Interés por conocer la organización de mensajes gráficoplásticos o visuales.
-Participación en situaciones de intercambio de opiniones sobre elementos básicos de la composición en obras de arte.
-Disposición abierta para la realización de experiencias de composición.

METODOLOGÍA:

      

La metodología para la actividad del Land Art será una metodología participativa y activa, en las que los alumnos conseguirán los objetivos a través de la cooperación y creatividad. Durante el proceso serán autónomos pero todos los grupos estarán supervisados por el profesor.

Para llevar a cabo estas actividades se dividirá la clase en cuatro grupos de cinco alumnos. El profesor explicará en clase, a través de un powerpoint, lo que es el Land Art y mostrará con imágenes numerosos ejemplos de esta técnica, como podemos observar a continuación:

 Una vez explicada la técnica, comenzarán la actividad:

 1. El profesor dividirá a los alumnos en cuatro grupos de cinco.

 2. Bajarán al patio del colegio y por grupos, buscarán materiales naturales o que puedan   ser reciclados

 3. Una vez reunan una gran cantidad de elementos, entre todos tendrán que ponerse de acuerdo en lo que quieren dibujar o crear con la ayuda de los materiales.

 4. Una vez esté decidido, entre todos irán colocando los materiales en el suelo, dando forma y colocándolos hasta conseguir el dibujo acordado por todos.

 5. Una vez todos los grupos hayan acabado, nos subiremos a un piso desde el cual podamos observar desde arriba las creaciones. Cada grupo tendrá que adivinar o hablar acerca de lo que les sugiere el dibujo de sus compañeros.

 6. Para finalizar la actividad, el profesor dejará una cámara de fotos a cada grupo, para que realicen una fotografía desde una perspectiva aerea de su obra.

RECURSOS:

Los recursos empleados en esta unidad didáctica para la actividad del Land Art son:

- Materiales naturales y/o reciclados

- Cámara de fotos

EVALUACIÓN:

El profesor evaluará el trabajo a través de la observación durante el proceso y sobre el trabajo realizado.

Los instrumentos para poder evaluar a los alumnos a través de la observación serán:

- Registro de valoración de la actitud y el comportamiento.

- Registro de valoración de la calidad de los trabajos entregados y el interés por la actividad.

   
La calificación númerica se hará de la siguiente manera:

- Calidad y técnica del trabajo realizado (60%)

- Actitud y conducta en clase (20%)

- Adquisición de los conocimientos desarrollados en la actividad del Land Art (20%)


ATENCIÓN A LA DIVERSIDAD:

Teniendo en cuenta que en el aula tenemos a un alumno son Síndrome de Down, será necesario trabajar en la integración del mismo en esta actividad. Como es muy sencilla, el niño podrá estar junto al resto de sus compañeros recogiendo materiales por el patio, solo será necesaria la supervisión del profesor cuando el grupo esté formando el dibujo en el patio, por si este niño necesita algún tipo de orientación o ayuda, aunque serán el resto de sus compañeros los que le guiaran. Después él, al igual que todos sus compañeros, hablará del resto de dibujos y será evaluado como los demás, valorando sobretodo su participación y su interés por la actividad.

Fuente:
http://artistasuv.blogspot.com/2012/11/unidad-didactica-land-art.html